Uno de los resultados más importantes que se pueden conseguir con la fotografía es hacer reír: Si además se alterna la risa con las lágrimas, como ha hecho Chaplin, se logra la conquista más importante, Yo no apunto forzosamente tan alto, pero reconozco que se trata del objetivo supremo,

Ladro a los perros. Ésta es fa razón por la que el perrito de una de mis fotos salta en el aire. Ladré y él saltó. Una vez en Kioto, caminaba detrás de una mujer que paseaba con un perro de aspecto interesante. Para ver qué ocurría, ladré. La mujer se apresuró a dar un puntapié al perro. El animal estaba desconcertado. Por lo visto el perro y yo ladrábamos de la misma manera.

Las ideas desempeñan un papel sumamente agradable en la conversación y en la seducción, pero no tienen mucho que ver con la fotografía. La fotografía es el instante, la síntesis de una situación, el momento en el que todo se amalgama.  Es un ideal Inalcanzable.

Cuando la fotografía está bien hecha, es interesante. Cuando está conseguida, se vuelve Irracional e incluso mágica. No tiene nada que ver con la voluntad o el deseo consciente del fotógrafo.
Cuando la fotografía se revela, lo hace sin esfuerzo, como un regalo que no debe ser cuestionado ni analizado.

Me marché del sur de California porque allí no pasaba nada. En Nueva York me ayudó Steichen y conocí a Robert Capa, que dirigía una pequeña agencia fotográfica fundada por un grupo de fotógrafos de los que no había oído hablar nunca, Cuando estaba a punto de ingresar en el ejército, Capa me dijo que le visitara en París. Mientras  me encontraba con la guarnición en Francia, le enseñé trabajos qua había realizado para algunas revistas. En 1953, al dejar el ejército, me di cuenta de que la agencia Magnum, dirigida por Capa, se había convertido en un grupo único y de gran prestigio. Unos veinte minutos después de quitarme el uniforme, me enrolé en Magnum.

Links:

Personal site: http://www.elliotterwitt.com/lang/index.html

Erwitt Magnum Personal Bests: http://inmotion.magnumphotos.com/essay/besterwitt

Los primeros fotógrafos de paisajes se ajustaron a la promesa de Daguerre de poder representar fiel y directamente la naturaleza a través de la fotografía. Es así, que se concentraron en llevar a cabo versiones técnicamente precisas y directas del mundo que les rodeaba, así como en hacerlas en el mayor formato posible. Los maestros de la fotografía de naturaleza del siglo XIX, William Henry Jackson, Eadweard Muybridge y Timothy O’Sullivan dedicaron numerosos años de su vida como fotógrafo a dominar el aspecto técnico de su oficio, para después llevar, a lomos de animales de carga, enormes cámaras de visor y laboratorios portátiles para revelar en el campo placas de vidrio.

Hoy, un novato espabilado con un manual de instrucciones puede dominar en menos de una hora el auto foco, la exposición automática, etc. aún así, independientemente de lo nítida y bien compuestas que resulten esas fotos, las imágenes literales de la naturaleza ya no despiertan la admiración del público, como hicieron en su tiempo las de los primeros maestros del paisaje. Todo fotógrafo en ciernes pasa de nuevo por esta etapa. Muchos nunca la superan. Usan sus imágenes para validar su experiencia en lugar de que ocurra al revés. Por expresarlo de manera sencilla, en palabras de Galen Rowell, hoy, los buenos fotógrafos intentan y consiguen, (sólo los muy buenos), a través de una “imagen visionaria” transmitir y comunicar su experiencia como artista.

No obstante, hemos de agradecerles a los primeros maestros su dedicación y “visión” de la realidad que vivieron en su momento histórico.

William Henry Jackson Crystal Falls

Así, William Henry Jackson, fotógrafo viajero que nace en Keesville, Nueva York en 1843 y muere en la ciudad de Nueva York en 1942. Hacia 1866 se inicia en la fotografía al lado de su hermano menor Edward. Durante algunos años, William Henry Jackson viaja por el suroeste de su país retratando paisajes y grupos étnicos, temas que llamaron poderosamente su atención y en los que fue un verdadero artista, como lo comprueba su álbum de fotografías tomadas en el Cañón de Yellowstone, en1872 y que influyó para que ese mismo año fuera declarado Parque Nacional.

1880 Mirror lake Yosemite - Espejo del Lago Yosemite (William Henry Jackson)

Eadweard Muybridge (Seudónimo de Edward James Muggeridge).

Fue un fotógrafo e investigador nacido en Kingston-on-Thames (Gran Bretaña) el 9 de abril de 1830. Cambió su nombre, cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de mayo, 1904. Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior descubrimiento del cinematógrafo. Sus paisajes fueron eclipsados por la fama que adquirió por su exhaustivo estudio del movimiento.

Aquí teneis una animación de las fotos que realizó Muybridge, que demostraron que los caballos al galopar, levantan las cuatro patas del suelo

Eadweard Muybridge. Glacier rock Valley of the Yosemite1872

Timothy O’Sullivan (1840-1882), fotógrafo estadounidense considerado como uno de los más importantes representantes de la fotografía del siglo XIX, que captó paisajes del Oeste americano y escenas de los campos de batalla de la Guerra de Secesión. Nació en Staten Island, Nueva York, y trabajó en el estudio del fotógrafo Mathew Brady.

O'sullivan. Ancient ruins

Poco después de estallar la guerra trabajó para Alexander Gardner, entonces jefe del estudio de Brady. Juntos consiguieron algunas de las imágenes más conocidas de los campos de batalla de la Guerra civil estadounidense. Se sabe que el equipo fotográfico de O’Sullivan recibió en dos ocasiones fragmentos de metralla. Está considerado por muchos como el primer fotógrafo de conflictos bélicos.

Nacido el 24 de marzo de 1886 en Highland Park, Illinois. Fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX y cofundador del Grupo f/64.

Ya desde temprana edad, destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro. La mayoría de su obra la realizó en una cámara de fuelle de 8×10 pulgadas.

Entre 1921 y 1922 se produjo un vuelco en la fotografía de Weston, quien cada vez se sentía mas cómodo experimentando, buscando pictoralista , con ángulos de enfoque y condiciones de exposición insólitos en ese entonces. En ésta época fue cuando conoció a la escuela pictoralista despues de haberse conectado con fotógrafos como Stieglitz y P.Strand.

Aunque sus inicios se enmarcan en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México (1923-1926) sus ideas se clarifican; destruye sus primeras fotografías y se inicia en el movimiento purista.

Es considerado como un pionero y como uno de los representantes más consecuentes de la “fotografía directa” norteamericana.

En 1930 realiza su primera exposición individual en Nueva York.
En 1932 publica su primer libro de fotografías: “The Art of Edward Weston”.

Las fotografías que tomó en 1936 de las ondulantes dunas de California se consideran sus mejores obras.
Falleció el 1 de enero de 1958 a la edad de 72 años en su casa de Widcat Hill.

Caracola

La obra de Weston es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo.
Este espíritu fue el que le hizo ver claro que el pictorialismo era un callejón sin salida y empezó un periodo de análisis que le conduciría hacia una pureza fotográfica.
Dotado de un gran sentido de la composición, los objetos de Weston, ya sean conchas, pimientos o un excusado, incluso algunos de sus desnudos, responden a su estado de ánimo, y se llenan de opulencia y vigorosidad al acercarse a ellos.
Escudriña sus formas.
Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición.
Muy al contrario se reafirman en su volumen, en sus recovecos más ocultos, en la materia de la que están hechos.
La textura pasa a ser otro personaje de la foto. Pero va mas allá. Sugieren otra cosa.
Un pimiento pasa a ser un músculo retorcido.

Pimiento

Una alcachofa una celosía.

Alcachofa

Es un acercamiento directo, realista lleno de intuición y pureza, que desborda sensualidad, incluso, lujuria.
Bordeando el preciosismo, en el que el mas mínimo detalle está cuidado al máximo, y con una composición exquisita, los paisajes de Weston, otro de sus temas recurrentes, y a diferencia de Ansel Adams, transmiten cierta dureza, donde se enfrentan la belleza y la decadencia.

Arenas

Fotógrafo que amplió el vocabulario fotográfico.
Su vida, indisolublemente ligada a su obra fue apasionada, sin concesiones y en continua relación con la naturaleza.

Fuentes:

http://www.edward-weston.com, El Ángel Caido, Wikipedia, otras.

“Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos”.
Ansel Adams,(1902-1984)

Cuando Ansel Adams escribió esas líneas para una de las revisiones de su libro “El Negativo”, las computadoras no se habían integrado a la vida de la mayoría de las personas.
Sin embargo, existían algunos indicios de la gran revolución que se avecinaba en la fotografía y Adams intuyó con razón que ese desarrollo se aceleraría.

Muchos años antes, alrededor de 1940, Ansel Adams había desarrollado un sistema para controlar y pre-visualizar los valores tonales de una imagen en función de los materiales sensibles.
Su propuesta consiste en que el fotógrafo pueda imaginarse la foto terminada antes de tomarla, a partir de mediciones fotométricas parciales de las diferentes partes de la realidad a fotografiar. Luego, de acuerdo al tipo de negativo y su revelado, el fotógrafo puede visualizar en qué valor de gris -o Zona- quedará registrada cada parte de la imagen.

El planteamiento fue revolucionario, porque hasta ese momento la exposición se hacía de una manera más o menos general. A partir de entonces, los fotógrafos empezaron a tomar en cuenta cada uno de los valores de brillo de la escena y a analizar cual sería su rendimiento final en la película.

Con el paso de los años se desarrollaron muchas derivaciones del Sistema Zonal -que originalmente fue concebido para trabajar en B&N-, de modo tal que los fotógrafos en color o los directores de fotografía de cine y video, empezaron a hablar de Zonas pese a no estar utilizando estrictamente el sistema de Adams.

Algunos especulan con la idea de que la formación de Adams como pianista lo condujeron a aplicar la idea de la notación musical, donde cada sonido tiene un lugar y una secuencia precisa, al campo de la fotografía.
Lo cierto es que desarrolló un amplio sistema que lleva a analizar la exposición en función de una escala y no de un punto fijo.

Sin embargo, aunque al pensar en Ansel Adams, siempre nos acordaremos de sus paisajes, de sus atardeceres, de las líneas de luz que aparecían entre las nubes sobre los árboles y las montañas, y que recreaban una distancia que realmente ya era enorme en sí misma, yo pienso que Ansel Adams es, junto con su amigo Edward Weston, (otro de los gigantes de la fotografía), un gigante que no tenía ningún complejo en capturar e inmortalizar incluso los elementos más humildes y sencillos, como una solitaria verja, un desolado tronco de árbol (ahí está su «Tronco blanco», de 1970) o unos postes telegráficos que se van alejando de nuestra vista hacia el infinito; una simplicidad que él compartía con Edward Weston, quien popularizó motivos semejantes, como lo fueron sus caracolas o sus, quizá ya demasiados vistos, pimientos.

En fin, era esta una simplicidad que Ansel Adams compartió, asimismo, con otros grandes fotógrafos contemporáneos, como Irving Penn y Richard Avedon, como Lastillé y Cartier-Bresson, quienes nos confirman lo que realmente es una sociedad y una forma extraordinaria de ver las cosas.

En fin… creo que fue, humildemente, no solo uno de los mas grandes fotógrafos de paisajes, para mi… el mejor sin duda. Siempre que visualizo una fotografía suya me embarga la emoción, y me quedo extasiado mirándola y preguntándome ¿donde está el secreto?

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.

En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.

Yosemite National Park 1948

En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O’Sullivan.

En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas.

En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.

Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979).

Golden Gate antes del puente, por Ansel Adams

“La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético.”

Adams fue ante todo un fotógrafo de paisajes que definió y desarrolló un concepto tan clave en la historia de la fotografía como es el sistema de zonas.

Sobre El negativo dijo: “los negativos fotográficos son como las partituras musicales: se pueden interpretar de muchas formas diferentes”.

Para Adams, la toma de imágenes no es una traducción rápida de la realidad sino que se basa en una búsqueda intuitiva del significado, de la composición, de la forma y la estructura. Considera que el primer paso para la obtención de una fotografía es la previsualización, entendiendo este concepto como la habilidad de construir una visión anticipada de la copia final antes incluso de haber sacado la cámara de la bolsa.

Imágenes de Ansel Adams